Cuedra frotada
DISEÑO DE LOS INSTRUMENTOS DE CUERDA
El origen de los instrumentos de cuerda se pierde en la antigüedad. La mayoría de las culturas antiguas han utilizado instrumentos simples hechos de unas pocas cuerdas estiradas entre dos monturas de soporte. Con posteriores modificaciones para incluir alguna clase de cavidad resonante, como en una calabaza. A lo largo de los años las formas de los instrumentos de cuerda se fue diversificando y mejorados acústicamente.
La creación de los delicados violines por los maestros artesanos durante el siglo XVIII no fueron debidos a los avances de la ciencia sino a una historia de mejoras por prueba y error. El secreto del buen diseño pasó de padres a hijos y de artesano en artesano. Solamente durante las pasadas pocas décadas nuestra comprensión técnica sustituyó al avance por prueba y error.
Un instrumento musical tiene dos funciones principales : generar vibraciones y transformarlas en sonido audible. Casi todos los componentes de un instrumento son altamente funcionales cada uno tomando su lugar para llevar a cabo el propósito del instrumento. Incluso las imaginativas volutas del puente del violín y las F sirven para propósitos funcionales para ayudar a la producción de un sonido placentero.
Una vista frontal de un violín mostrando las cuatro cuerdas, puente, y los dos huecos f
Iinstrumentos de cuerda
Al diseñar un instrumento portátil decuerda, no se puede tener el lujo de tener una cuerda libre para cada nota ejecutada, como se hace en el piano. Es necesario utilizar menos cuerdas, y producir un rango de tonos para cada cuerda. Esto puede hacerse variando uno de los cuatro parámetros básicos de Mersenne durante la ejecución.
La parte de debajo de un cubo de lavar puede modificarse en dos octavas dependiendo de la tensión que puede aplicarse a la cuerda
El diámetro y densidad de la cuerda no puede variarse convenientemente durante la ejecución. La tensión, sin embargo , puede cambiarse, dentro de límites y a menudo se varía apretando o aflojando las clavijas o extendiendo las curdas lateralmente con un dedo, dando un cambio continuo en el tono (portamento). Los instrumentos diseñados específicamente para producir variaciones de tono por los cambios de tensión incluyen la sitar (instrumento tradicional indio) y arpa así como en el banjo. Pero el método más habitual para variar el tono durante laer ejecución cambiando la longitud de la cuerda. Acortando la longitud de la cuerda vibrante se consigue habitualmente presionando cualquier porción de la cuerda frente a un diapasón, como con un violín.
EL VIOLÍN
https://youtu.be/zgaQFLUdUL0?list=PLqR22EoucCyfHXJ-aPNbmBO_psCj94BI5
Historia del violín
Instrumentos de cuerda en la Edades Medias
La utilización de instrumentos de cuerda (en los que las cuerdas se hacen vibrar con un arco) probablemente se originaron en Asia Central en el siglo 9 in the 9 AD, aunque, pudieron desarrollarse independientemente sobre varios continentes. Lo que si es ciertp es que el pulsado de cuerdas es la técnica más antigua. En Europa los primeros instrumentos de cuerda frotada, con evidencia contraastada, desde el siglo X.
El rabel
Uno de estos instrumentos primitivos, el rabel, originado en España fue descendiente del árabe rabab. Era un instrumento con forma don una, dos o ttres cuerdas. Su cuerpo y cuello fue esculpido de una sola pieza de madera y no tiene ni costillas ni trastes . El cuello está a un nivel con el cuerpo y tiene clavijas laterales. Una tabla plana está pegada al lado superior y por encima de esto está el diapasón. Instrumentos con tres cuerdas, estas están afinadas a quintas (G3, D4, A4). El rabel está relacionado con la lira,un instrumento popular que se originó en Bizancio. Ambos instrumentos son básicamente del mismo tipo y se tocan de pie, soportado o por la pecho o el hombro.
The Blarney Pilgrim Rabel
https://www.youtube.com/watch?v=VtavgCe789A
Viola de arco
La segunda forma primitiva de un instrumento de cuerda es la viola de arco, que fue popular a través de Europa y existe e una amplia variedad de formas y tipos. La viola de arco tiene entre una y seis cuerdas, una caja sonora plana, oval que está hecha de varias piezas de madera incrustadas , por ejemplo, con costillas, pequeñas concavidades en los lados y un cuello elevado. La tabla ligeramente abovedada, los trastes son raros. Una cracterística de la viola de arco fue el agujero redondo en la mitad en dos rendijas de forma creciente. Su gran popularidad en las edades medias fue debida principalmente a su amplio rango y agilidad. El instrumento se sostiene habitualmente en el hombro izquierdo y tocado en acompañamiento con el canto del músico. Reflejando ciertos aspectos del desarrollo del violín, que empezaron después, la viola de arco mantuvo su popularidad hasta el siglo 16, y realmente todavía se encuentra en distintas formas en las culturas populares hoy.
Emilio Villalba.- Viola medieval (Fiddel medieval, vielle). Cantiga de Santa María
https://www.youtube.com/watch?v=Xq8RN4d2Lfs
Familias de instrumentos del Renacimiento
Antes del final del siggo 15 la combinación de las características de los instrumentos de cuerda medievales llevaron a la emergencia de dos familias de instrumentos distintos, que exhiben diferencias marcadas de construcción, técnicas de ejecución, funcionamiento y sonido: la viola da gamba, que se sujeta entre las rodillas, y la viola da braccio, que se sujeta a la altura del hombro por el brazo iquierdo.
Viola de gamba
La viola da gamba presenta costillas inusualmente altas costillas, una tabla abovedada, una parte de atrás plana y huecos sonoros en forma de C o f. El cuello se extiende duera del cuerpo, el diapasón tiene siete trastes y de cinco a siete cuerdas que que caen sobre un puente bastante plano lo que significa que el arco podía tocar más de dos cuerdas adyacentes a la vez. El timbre oscuro y suave la hacen ideal para la ejecución cordal.
Introducing the Viola da Gamba
https://www.youtube.com/watch?v=BO2JeKiwbvQ
Jordi Savall. Les voix humaines
https://www.youtube.com/watch?v=ylpOO-7cyt0
Viola da braccio
El cuerpo de la viola da braccio, por otro lado, tiene costillas altas, una parte de atrás redondeada, huecos f, un diapasón sin trastes, un cuello elevado desde el cuerpo , con una voluta y cuatro cuerdas a través de un puente curvado, lo que significa qque puden frotrse individualmente. Una profunda abolladura en la mitad del cuerpo hace el frotado de las cuerdas exteriores más fácil. El timbre de la viola da braccio eramás brillante y más poderoso y es especialmente adecuado para transportar líneas melódicas.
La lira da braccio de siete cuerdas se utiliza para aompañar las actuaciones vocales en el siglo 16. Tiene un cuerpo plano y un puente plano.
Viola da braccio
Gastoldi il Ballerino_viola da braccio Coltellini
https://www.youtube.com/watch?v=Wfx7WcyG5sI
La emergencia del violín en la Italia Superior
El violin evolucionó desde la familia de la viola da braccio entre 1520–1550, los pueblos de la Italia Superior de Milan, Brescia, Cremona y Venecia son los centros más importantes. El término violín deriva de la palabra viola y tiene el significado general “pequeño instrumento de cuerda” mejor que “pequeña viola”. Los más antiguos violines supervivientes son aquellos construidos por el constructor de violines de Cremona Andrea Amati (1500–1576) en el año 1542. Todavía tienen solamente tres cuerdas: G3, D4 y A4. No fue probablemente hasta después de 1550 en el que Amati hizo el primer violín con cuatro cuerdas. Andrea Amati fue por lo tanto con toda probabilidad el primer constructor de instrumentos en producir instrumentos con aquellas características que justifican la apelación de to produce instruments with those “violin”.
El violín tuvo un enorme éxito en Italia, supliendo muy rápidamente a todos los otros “pequeños instrumentos de cuerda” en el registro soprano que se ejecutaba en la posición da braccio position. Ningún otro instrumento que experimentara la mayor parte de su desarrollo antes de 1650 fue aceptado tan fácilmente como una parte esencial de la práctica musical; esto era debido al intervalo sin límite de medios de expresión que ofrece . El subsecuente desarrollo de la historia de la música occidental está ligado estrechamente a los posteriores desarrollas de las técnicas de ejecución del violín y posibilidades de expresión. Mientras los violines – y posteriormente, los otros miembrso de la familia del violin –han sido siempre tocados exclusivamente por músicos profesionales, el violin fue adoptado también por aficionados cultos como nobles y comerciantes dotados de cierto status sociales. Los ejecutantes Italianos introdujeron el nuevo instrumento a una amplia audiencia en las cortes europeas.
La edad de oro: 1600–1750
La popularidad del violín llevó a la emergencia de las escuelas más famosas de constructores de violín: la escuela de Cremona llevada por los hijos de Amati hasta Nicola Amati (1596–1684). La escuela de Brescia produjo constructores maestros como Gasparo da Salò (1540–1609) y su pupilo Giovanni Paolo Maggini (1580–1632). La escuela de Cremona continuó con el pipilo de Nicola Amati Andrea Guarnieri (1626–1698) y posteriormente Antonio Stradivari (1644–1737), que fue presumiblemente un pupilo de Guarnieri Antonio Stradivari, que hizo alrededor de un millar de instrumentos durante su carrera de los cuales 600 se dice que existen todavía, es todavía considerado el apogeo de la construcción de violín. A pesar de repetidos intentos, que continúan hoy y haciendo uso de las más modernas tecnologías, ha sido imposible reproducir la brillantez de timbre de un Stradivarius. Las dimensiones de los modelos de Stradivarius se aceptan como definitivas para las últimas generaciones.
Giuseppe Guarnieri, conocido como “del Gesù” (1698–1744), hizo instrumentos que fueron apreciados principalmente teniendo en cuenta su tono sostenido. Niccolò Paganini (1782–1840), el mayor virtuoso del violín de todos los tiempos, tocaba un Guarnieri.
Al Norte de los Alpes la escuela de constructores de violin fue llevada por Jacob Stainer (1621–1683) en Absam en el Tirol ganó gran renombre ; Johann Sebastian Bach (1685–1750), por ejemplo, tocaba un violin Stainer violin. Wolfgang Amadeus Mozart tocaba un instrumento hecho por Ägidius Klotz, un constructor de violines de Mittenwald.
El primer constructor de violin francés fue Nicholas Médart (1628–1672), en Inglaterra fue Barak Norman (1678–1740). En Vienna, Daniel y Joseph Stadlmann (1720–1781) fue el más importante.
Hacia el final del siglo 18 el arte de la fabricación de violín desapareció en Italia cuando la producción se cambió a “producción en línea” con una más especializada división de trabajo. Nuevos materiales, como varnices que secaban más rápido, favorecieron la nueva forma de trabajar y las fábricas de violines emergieron. Los fabricantes de violín lideres de la siguiente época se encuentran en Francía ,por ejemplo Nicolas Lupot (1758–1824).
Modernización alrededor de 1800
Los trastornos que siguieron a la Revolución Francesa también tuvieron repercusiones en el mundo de la música. La responsabilidad de organizary financiar eventos musicales se desplazó desde la aristocracia a la burguesía y los conciertos se convirtieron en una carcterística regular de la vida social. Ya que estos se desarrollaban en salas más grandes, instrumentos con más intensidad con arcos más gruesos se encesitaban. Los fabricantes de violines se vieron forzados a tener en cuenta estas alternativas al instrumento que se tradujeron en el desarrollo del violín moderno a la vuelta del siglo 19 ; los instrumentos antiguos se “modernizaron” para cumplir estas exigencias: el puente se elevó para aumentar la tensión de las cuerdas y por lo tanto del volumen. Esto también alteró el ángulo de las cuerdas hacia el diapasón, de manera que el músico tendría que aplicar más presión para tocar las notas altas. Esta dificultad se contrpone colocando el cuello a un ángulo hacia atrás, manteniendo iguales distancias entre cuerdas y diapasón a lo largo de su longitud. Al mismo tiempo el cuello y el diapasón se alargarón. Para afrontar el aumento de presión de las cuerdas sobre la tabla la barra de bajos y el alma se reforzaron también.
Las cuerdas se hicieron más fuertes también, así podían resistir la tensión en aumento. Se consolido el cubrir las cuerdas G, que tenían un núcleo de intestino, con metal. Hoy en día la cuerda G se enrrolla a menudo con plata. No está completamente claro que las cuerdas D y A estuvieran también cubiertas en el siglo 19; hoy cuerdas enrrolladas sobre intestino con aluminio se utilizan generalmente. La cuerda E tambén se hacía de intestino en el siglo 19 y no fue reemplazado por acero hasta el siglo 20. Las cuerdas de nylon y acero están habitualmente en uso.
El arco moderno se desarrolló en el espacio de unas pocas décadas, el constructor de arcos francés François Tourte (1747–1835) desempeñó un papel principal: el arco llegó a ser más largo y fuerte ; su peso cambió, el centro de gravedad se movió y la tensión aumentó, lo que hizó posibles más poderosos movimientos de arco.
Alrededor de 1820 el compositor alemán y virtuoso del violín Louis Spohr (1784–1859) inventaron el reposa pecho, que facilitaba el movimiento de deslizamiento de la mano izquierda.
Timbre de una cuerda vibrante
Supongamos que un ejecutante desea ejecutar un Do alto (C5) sobre un violín. Pulsando la tecla A4 frente al diapasón en el lugar correcto , la longitud de la cuerda sonará C5 como tono fundamental si se pulsa. Sonarán también muchos sobretonos. De hecho, es imposible es virtualmente imposible evitar los sobretonos sonando sobre un instrumento de cuerda.
Como se ve en la figura la forma que toma la cuerda cuando se pulsa no es en forma de sinisoidal sino en forma de rampa. Según el teorema de Fourier, una onda que no es sinusoidal es equivalente a una suma de armónicos, cada una con una amplitud apropiada. Por lo tanto, una cuerda pulsada vibrará con su frecuencia fundamental así como varias frecuencias armónicas , todas al mismo tiempo.
Una cuerda pulsada toma aproximadamente una forma de rampa cuando se suelta
El timbre de una cuerda pulsada depende de la amplitud de vibración de los armónicos. Si la cuerda se pulsa en la mitad, su forma triangular no tiene un aspecto muy diferente a la onda sinusoidal fundamental. Esto significa que el tono fundamental es excitado intensamente comparado con los armónicos más altos. Debido a la simetría de la cuerda, incluso los armónicos deberían estar totalmente ausentes como se muestra en la figura. El tono resultante es más fácilmente descrito por el espectro del diagrama de barras que se muestra en la (a). Si la amplitud del C5 fundamental se llama 1, la amplitud del tercer, quinto y séptimo armónicos son 1/9, 1/25 y 1/45, respectivamente. Las amplitudes de los armónicos pares son cero. Pulsando una cuerda cerca de la mitad dará por lo tanto un tono regularmente puro, con poco contenido de armónicos. Aunque esto puede ser deseable para un arpa, no será deseable en una guitarra que necesita brillantez. Una guitarra es por lo tanto pulsada a aproximadamente a un cuarto de su longitud. El coimo al pue uente, ntenido relativo de armónicos altos aumenta como se muestra en la figura (b).
Para tener un “sonido duro”, la cuerda es activada incluso próximo al puente como se muestra en la figura 16-6(c). Esto se traduce en incluso en una mejora de armónicos altos. El brillo o sonido rico que caracteriza a la mayoría de los instrumentos de cuerda frotada , se consigue frotando a 10-11% de la distancia del puente. Frotando aún mas cerca (sul-ponticello) el timbre se convierte en “áspero” .
El timbre, así como la respuesta transitoria, también depende del método de excitación. Golpear produce más excitación de armónicos que el punteado. Frotar con el arco se traduce en una respuesta diferente.
El contenido armónico depende de la forma inicial de una cuerda pulsada.
Seleccionando armónicos
Si una cuerda es pulsada a la mitad de su longitud, está ausente el segundo armónico (así como sus múltiplos). Si se pulsa a un cuarto de su longitud , está ausente el cuarto armónico. Se puede decir que, en general, estará ausente un armónico si hay un nodo en el punto de pulsación. De hecho, es probable que un armónico es pulsado suene más fuertemente si es pulsado en su máximo o antinodo. Por ejemplo, el punto de pulsado a un cuarto de la longitud corresponde al antinodo del segundo armónico y el nodo del cuarto. Los resultados en fuerte sonido del segundo armónico y la ausencia del cuarto, como se ve en la Figura (b).
Un procedimiento opuesto (“tocando en armónicos”) es tocar ligeramente una cuerda con un dedo cuando se pulsa. El resultado, como se muestra, es que solamente aquellos armónicos con un nodo en cada punto de contacto que pueda excitarse. Por ejemplo, si la cuerda C3 con un fundamental de 132 Hz se toca ligeramente a un tercio de su longitud en abierto, los armónicos disponibles son 3,6,9,…Estos tienen las frecuencias 396,792, y 1188 Hz, correspondiente a las notas G4,G5, y D6. Estas notas forman una serie armónica natural basada en 396 Hz o G4. Esta técnica produce tonos altos como de campana de otras cuerdas largas.
Tocando ligeramente una cuerda vibratoria, uno de aquellos modos con un nodo en el punto de contacto se permitirá.
Excitación percusiva de la cuerda
Una cuerda puede ser pulsada como en una guitarra, repetitivamente pulsada como en una mandolina, o martilleada como en un piano, La subida en la salida de un sonido, o ataque, es muy repentino. Sin embargo, su decrecimiento es lento, típicamente decrece a la mitad de su amplitud en menos de un segundo. Aunque el sonido continua siendo emitido tiempo después de ese intervalo, su nivel es lo bastante bajo de manera que las notas pueden seguirse repentinamente entre sí para dar una sensación de continuidad.
El timbre característico de una nota audible está determinado hasta una extensión considerable por estas características transitorias, el ataque y el decaimiento de sus armónicos. Ver Figura 16-8. Además, el material del que está hecha cuerda determina las características transitorias, Por ejemplo, utilizando cuerdas de catgut, los armónicos altos caerán rápidamente, dejando los armónicos bajos sonar más. Las cuerdas más brillantes de acero es debido al tiempo más largo de decaimiento de los armónicos altos.
Respuesta transitoria de una cuerda pulsada. Los armónicos más altos decaen más rápidamente que el fundamental (la proporción de decaimiento más altos se ha exagerado)
Las cuerdas del violín están afinadas a intervalos de una quinta de separación
La calidad del sonido se puede cambiar considerablemente, por el lugar donde se frota la cuerda. Si se frota cerca del puente (sul ponticello), entonces el sonido es más brillante, con más contenido de armónicos. Si se frota aún más allá del puente (sul
tasto), entonces el sonido es más oscuro, más suave, con menos contenido de armónico.
Construcción del Violín
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El violín moderno se compone de cerca de setenta piezas. Las piezas incluyen la placa frontal o armónica, la placa trasera, las cubiertas laterales, los bloques interiores, el revestimiento interior, la barra de bajos, filete, mástil, tastiera, voluta, clavijero, clavijas, cordal, lazo, botón de cierre, cuerdas, puente y el poste de sonido o alma. El cuerpo del violín es una caja hueca que mide aproximadamente 35,5 cm de longitud. La espalda, el cuello, los laterales y el puente se hacen generalmente de arce. El frontal, los revestimientos y el mástil se hacen generalmente de abeto. En la selección y formación de la tapa frontal y la espalda, se toma un cuidado escrupuloso. Se debe ajustar a ciertas frecuencias antes del montaje, a fin de que la resonancia de madera principal del instrumento, sea de la fuerza y tono apropiados. |
Puente del Violín
La acción del puente del violín es esencial para el tono del instrumento. Su forma y función se han desarrollado durante siglos. Debajo del lado de agudos del puente (donde descansa la cuerda E), hay un poste (alma) que se extiende desde la parte frontal a la placa posterior del instrumento. Como este pié del puente descansa sobre este poste, estará esencialmente fijo y actuará como pivote para el movimiento de balanceo del resto del puente. Sin embargo, realiza un acople de la energía del sonido desde la placa superior a la placa posterior del instrumento.
Debajo del pie de bajos del puente (donde se apoya la cuerda G), va pegada una tira larga y delgada de madera llamada barra armónica, casi paralela a las cuerdas. Este pié de bajos del puente está más libre para moverse, y su movimiento es el punto de transferencia de energía desde las cuerdas a la placa superior del instrumento. La barra de bajos extendida, ayuda a transferir la energía a un área más grande de la placa superior. Como puede verse en el diagrama, la amplitud del movimiento es mayor para las cuerdas graves. Esto es deseable para el equilibrio de la sonoridad, ya que la sensibilidad del oído cae un poco, en las frecuencias más bajas del instrumento.
Un extremo de la porción vibrante de cada cuerda de violín termina en el puente, que se sitúa a dos pies a mitad de camino entre los dos huecos f. A medida que las cuerdas del violín se hace que el puente se mueve hacia atrás y hacia adelante. El movimiento es transferido a la placa superior del instrumento. Un alma corta de arce se encaja entre las placas de delante y detrás de la caja sonora, próxima a los pies del puente en el lado de la cuerda alta. Sirve en parte para transmitirlas vibraciones del puente a la placa trasera. Bajo el lado de la cuerda baja del puente, una barra de bajos de abeto corre a lo largo dando soporte a la placa frontal contraria. Las vibraciones laterales de las cuerdas bajas producen una vibración de balanceo del puente, pivotando sobre el alma, haciendo que la barra de bajos se muevan arriba y abajo, llevado una parte considerable de la parte superior con ella. La frecuencia más baja o fundamental es la que se oye golpeando con el dedo, es la resonancia principal de la madera
Sección transversal de un violín en el puente
Las placas de arriba y abajo del violín cada una tiene unos modos resonantes de vibración. Algunos de estos se han fotografiado usando interfereometría holográfica. La frecuencia más baja o fundamental es la que oímos si la superficie se golpea con el dedo. Esta resonancia principal de la madera está producida por la superficie moviéndose hacia arriba y hacia abajo como un todo en la figura a. Las notas de frecuencias más altas resuenan con movimientos más complejos, como se muestran en las figuras b a d. Si las frecuencias de la cuerda están en o cerca de estas frecuencias naturales de las superficies del cuerpo, el cuerpo resuena con las cuerdas, traduciéndose en un tomo más alto.
Los modos de resonancia de las placas de violín, como se ilustra utilizando interferometría holográfica, Las vibraciones de la placa de arriba con los huecos f y barra de bajos: a) 465 Hz b) 600 Hz c)820 Hz d)910 Hz. Algunas vibraciones de la placa de abajo de un violín completo e)580 Hz, f)770 Hz, g)870 Hz h)970 Hz
Las f del violín sirven no solamente para conectar la resonancia del aire interior con el exterior pero también para hacer la placa de abeto más flexible. La flexibilidad se traduce en un valor relativamente bajo de la resonancia de la madera principal, alrededor de 440Hz o A de concierto, la frecuencia a la que la segunda cuerda se afina. La placa trasera de arce es más rígida y tiene algo mayor frecuencia de resonancia. El mismo puente está diseñado para resonar a frecuencias incluso más altas.
Resonancia de cavidad
Se pueden formar varias ondas estacionarias en el aire del interior del cuerpo del instrumento. De nuevo, existen ciertas frecuencias resonantes que dan una respuesta amplificada a las correspondientes frecuencias de la cuerda. Un violín tiene frecuencia fundamental de resonancia del aire del aire en la caja de sonido de 260 a 290 Hz, cerca del Do central. La frecuencia de esta resonancia de cavidad está determinada en primer lugar por el volumen interior y el tamaño de las f- El tono principal del aire es típicamente aproximadamente un quinto más baja que el tono de la madera para un buen violín. El tono del aire puede escucharse soplando a través de las f.
La cavidad del cuerpo tiene una resonancia del aire próxima a 500 Hz y otras más elevadas y débiles frecuencias de resonancia. Las frecuencias de estas resonancias principales son cruciales para determinar la calidad de un violín. Parece que los maestros artesanos de la escuela de Cremona, Guarneri, Stradaveri, y otros, crearon instrumentos psrs los cuales estas diferentes de frecuencias de resonancia están bien separadas, abarcando todo el intervalo de ejecución. Por lo tanto, casi cualquier que suene excitará una de las resonancias. En contraste, si las resonancias coinciden, existirían notas con fuerte respuesta resonante, separadas por regiones de baja respuesta. Tales instrumentos tendrían más pobre calidad de sonido.
La cadena de energía
La producción de sonido de un instrumento de cuerda lleva consigo una secuencia de varios pasos. Las cuerdas se hacen vibrar, transfiriendo la energía de vibración a través del cuerpo. Esta vibración es distribuida a otras partes del instrumento, produciendo la vibración de varias superficies así como la generación de modos de aire dentro de la caja del instrumento. Ondas acústicas radian a través de las f en la caja, así como desde las superficies directamente.
Aunque los distintos modos de vibración pueden identificarse por separado, funcionan en conjunto para producir la curva de respuesta resonante resultante del violín,
La impedancia acústica se ajusta a la del puente, entre las cuerdas y el cuerpo. Es moderadamente pobre. Si fuera buena, no ocurriría reflexión en la cuerda y no se establecerían ondas estacionarias. Si el ajuste fuera muy pobre, no se transmitiría energía, y el sonido audible sería bajo. La media de los instrumentos de cuerda refleja la mayoría de la energía en la cuerda pero permite bastante pasar a través del puente para producir el sonido deseado.
Para una cuerda excitada percusivamente, la proporción de decaimiento será debida en su mayor parte a la proporción de alimentación de energía a través del puente. Mejorando el ajuste de impedancia en el puente, el sonido producido será más alto, pero la nota decaerá más rápidamente. Igualmente, un aumento el el tiempo de decaimiento que se traducirá en un sonido más tenue. El compromiso deseado se consigue por el ángulo que la cuerda se dobla sobre el puente (fuerza que lleva hacia abajo), el diseño del puente, el espesor del cuerpo, así como la estructura en la proximidad del puente , teniendo en cuenta el resto de las características del instrumento.ada instrumento
Por las resonancias principales de puente, cuerpo y cavidad de resonancia , y su interacción, existen ciertos intervalos de frecuencia amplios llamados formantes los que se produce buena respuesta. Cada instrumento tuiene sus formantes característicos.
Muchos miembros de la familia del violín, particularmente el cello, tiene frecuencias específicas a los que lo movimientos de todo el instrumento conspiran para producir un tembleque de sonido llamado nota del lobo. Es una estrecha resonancia a aproximadamente el Fa sostenido sobre la cuerda sol o do del cello, que es cuidadosamente evitado por los ejecutantes. Su causa es atribuida a las pulsaciones entre pares de vibraciones naturales.
Existen muchas características afectadas en la producción de música de un instrumento de cuerda. Un buen instrumento musical es aquel en el que estas características están bien relacionadas.
Las cuerdas producen una resonancia fundamental , además de todos los armónicos de la cuerda. El sonido del instrumento se ve reforzado por las resonancias del cuerpo, incluyendo la resonancia del aire de los agujeros en forma de f.
Las cuerdas se afinan con una quinta de separación, por lo cual en el temperamento igual usando el estándar A4 = 440Hz, da las frecuencias G3(196 Hz), D4(293.7 Hz), A4, E5(659.3 Hz). Los grupos musicales en el hemisferio occidental típicamente se afinan en el temperamento igual, en concordancia con el teclado del piano, pero la familia de instrumentos del violín no están obligados a tocar en el temperamento igual ya que no tienen trastes en el diapasón, como sí lo tiene la guitarra para determinar los intervalos musicales.
El arco
El arco es una varilla de madera curvado hacia dentro con pelos de caballo (aproximadamente 150–250 pelos) extendido entre los dos extremos, la punta y el talón. La tensión de los pelos puede ajustarse con un tornillo sobre el talón. El centro de gravedad está aproximadamente a 25 cm por encima del talón. El arco es de 74 cm de largo, la longitud del golpe de arco es algo más corto.
Las vibraciones se producen por el movimiento del las cerdas de pelo de caballo del arco sobre las cuerdas. Esta fricción aumenta la temperatura de la resina aplicada al pelo de caballo, lo que asegura que el arco permanezca en contacto con la cuerda hasta que la elasticidad de las cuerdas las hace retroceder mientras el arco intercepta el movimiento y ejece nueva fuerza sobre la cuerda. El movimiento repetido hacia adelante y hacia atrás del arco proporciona la energía necesaria para la vibración de la cuerda.
La presión ideal de la presión del arco depende de la velocidad de frotado; demasiada poca presión se traduce en una nota fundamental débil con parciales silbantes, demasiada produce parciales raspantes. Presiones del arco mayores se traducen en un volumen más alto. El punto en el que el arco hace contacto con la cuerda varía entre el puente y el diapasón: el sonido es más fuerte en el puente y disminuye en volumen cuanto más lejos del puente se mueva.
Frotamiento con arco
Desplazando un arco de cola de caballo a través de la cuerda, la cuerda vibrará, produciendo un tono continuado o sostenido. El pelo de cola de caballo es normalmente revestido con resina, un producto de la savia de madera, que aumenta la fricción entre el arco ye arco. A medida que el arco se desplaza a través de la cuerda, la cuerda es empujada lateralmente en la dirección del movimiento del arco. Entonces la cuerda retrocede y para, permitiendo al arco una vez de nuevo envolver y empujar la cuerda lateralmente. Este empuje y desplazamiento alternativo es forzado por la vibración fundamental de la cuerda para sincronizar con el periodo de vibración.
A medida que el arco se mueve hacia arriba, la cuerda se empuja uniformemente, y entonces se desengancha y vuelve hacia atrás
Existen dos tipos de fuerza de rozamiento actuando entre dos superficies. Cuando las superficies enganchan, se mantienen unidas por rozamiento estático. El rozamiento que actúa durante el movimiento, llamado rozamiento dinámico, es normalmente ligeramente menor que el rozamiento estático. Una superficie con resina tiene la característica poco usual de que el rozamiento dinámico es considerablemente menor que el rozamiento estático, especialmente a altas velocidades de deslizamiento. Esto permite la cuerda deslizarse hacia atrás libremente después de cada desenganche con el arco. Si el movimiento del arco no es perpendicular a las cuerda, pueden iniciarse vibraciones longitudinales. Estas son mucho más altas en frecuencia que las vibraciones transversales y explica los sonidos chirriantes que hacen a menudo los estudiantes principiantes de violín.
Aumentando la presión del arco- la fuerza entre arco y cuerda-produce habitualmente un cambio en el timbre pero no aumenta el volumen apreciablemente. El volumen puede aumentarse aumentando la velocidad de frotamiento con el arco, porque el periodo de tiempo de cada empuje es establecido por la frecuencia natural de la cuerda. El arco más rápido por lo tanto empuja la cuerda con cada vibración aumentando la amplitud de vibración. Aumentando la velocidad de frotamiento no sólo aumenta el volumen sino cambia el timbre también. La mayoría de los violinistas han encontrado sin embargo, que aumentando la presión del arco al mismo tiempo que aumenta la velocidad, puede aumentar el volumen sin cambiar apreciablemente el timbre.
Una cuerda vibrante obtiene poco sonido si está firmemente anclado en cada extremo a una superficie sólida. Si está montada en alguna especie de superficie flexible amplia, sin embargo la salida del sonido se aumentará dramáticamente. Este principio se utiliza en el diseño de los instrumentos de cuerda.
El demonio de Paganini: una leyenda imperecedera
https://www.youtube.com/watch?v=DdWtyMFTfXk&list=PL2GsQ52UqrOctF6DkTo2hXcD2HAMSetYu&index=15
El Arte del Violín, primera parte: El instrumento del Diablo
https://www.youtube.com/watch?v=VY8ktT3Y8MA
El Arte del Violín 2/2
https://www.youtube.com/watch?v=-1OjBXxKWu4
ltzhak Perlman: virtuoso del violín, estoy seguro de que toqué todas las notas - Película de 1978
https://www.youtube.com/watch?v=VmJLfcYQczw
LA VIOLA
La viola es el alto de la familia del violín, y tiene la responsabilidad de tocar la parte tenor en el cuarteto de cuerdas. Mas larga y pesada que el violín, está afinada una quinta inferior y tiene un tono mas apagado, algo así como nasal. Las cuerdas están afinadas con una separación de una quinta, a C3(130,8 Hz), G3, D4 y A4(440 Hz).
Está construida utilizando los mismos componentes que el violín, la única diferencia está en mayor tamaño. Su majestuoso y oscuro timbre contrasta enormemente con el del violín y hace de la viola una continuidad en la familia del violín y hace de la viola perfectamente adecuada como voz media de la familia del violín.
Su arco es un poco más pesado que el del violín y el pelo de caballo un poco más ancho.
El sonido característico de la viola es el resultado de los siguientes factores:
La viola está afinada a una quinta más baja que el violín (C3 = 4ª cuerda, G3 = 3ª cuerda, D4 = 2ª cuerda, A4 = 1ª cuerda). Esto significa que las frecuencias de los dos instrumentos están en una proporción de 2:3. Si esta proporción se aplica al tamaño de los instrumentos de la familia del violín el cuerpo de la viola de la viola tendría que ser 12 cm más largo (por ejemplo, aproximadamente 54 cm) que actualmente es (alrededor de 42 cm). En otras palabras, la viola es demasiado pequeña en proporción a su afinación ay esta es la razón de su timbre distintivo. La proporción de la resonancia natural del cuerpo a la afinación es diferente sobre los dos instrumentos: sobre el violin la resonancia natural es aproximadamente seis medias notas por encima de la nota más baja, sobre la viola once mdias notas.
Los compositores del siglo 20 ayudaron a la viola a escapar de las sombras del sonido brillante del violín escribiendo trabajos de solo viola.
J.S.Bach, suite nº1 para viola sola. Irina Yonkova.
https://www.youtube.com/watch?v=ZKxpRfybe1U
Georg Philipp Telemann Concierto para viola en Sol mayor
https://www.youtube.com/watch?v=533G8lsKd5s
EL VIOLONCHELO
El chelo o violonchelo, es el segundo miembro mayor de los instrumentos musicales de la familia del violí. Se afina una octava por debajo de la viola, y ambos sirven como instrumentos melódicos y de bajos en las cámaras de música orquestal. El cuerpo del violonchelo es de aproximadamente 76 cm de largo y es mucho más profundo que los del violín y la viola. El violonchelista se sienta y apoya el instrumento entre sus pantorrillas. El instrumento tiene su extremo inferior levantados del suelo por una pica (espiga) antideslizante. Si está afinado a temperamento igual, las cuerdas están sintonizadas con una quinta de separación a C2(65,4 Hz), G2(98 Hz), D3(146,8 Hz) y A3(220 Hz), ó A4(440 Hz) para la escala estándar.
La placa superior del violonchelo debido a sus buenas cualidades de radiación del sonido, es de abeto o de pino. Los lados y la placa trasera están hechos de arce. El mástil, el clavijero y el cordal son de arce. Una lámina delgada de ébano está pegada a la parte superior del mastil para formar el diapasón. En el extremo del mastil donde se une al clavijero, se adjunta una pequeña pieza estriada de ébano, para mantener las cuerdas en su posición. Se le denomina "cejilla". Las cuerdas pasan sobre un puente de arce que transmite la energía de vibración de las cuerdas, al cuerpo del instrumento. La parte superior del puente está curvada para adaptarse al contorno de la placa superior y para permitir pulsar cada cuerda por separado.
Los instrumentos de cuerda producen una característica resonancia fundamental mas todos los armónicos de cuerda
El cello (violoncello) es el instrumento tenor y bajo de la familia del violín (violin, viola, cello).
En el siglo 19 el cello avanzó junto con el violín para llegar a ser el instrumento de cuerda frotada para solos. En el siglo 20 los violonchelistas empezaron a especializarse más, concentrándose mas en la ejecución de sólos, cámara u orquesta.
Está construido utilizando los mismos componentes que el violín, con la única diferencia de un tamaño mayor. El arco es aproximadamente 2 cm más corta y un cuarto más pesado que el arco de violín. El pelo de caballo está estirada entre los dos extremos del arco, con resina asegurando que el arco permanece en contacto con la cuerda.
Difiere del violín y la viola en dos aspectos : la posición de ejecución y diapasón.
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Posición de ejecución: por su tamaño el chelo se toca en posición vertical (como la viola da gamba). Dre tal manerael chelista coloca el instrumento entre sus piernas, donde se apoya en el suelo sobre una pincho (pica). En el pasado el chelista sujetaría el instrumento entre sus piernas y presionado contra su cuerpo, o dejándolo en una silla y tocándo de pie. Su mano izquierda se agarra al cuello. Este método de tocar significa que solamente muy simples notas bajas pueden ejecutarse.
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Digitalización: cambió aproximadamente en 1740 cuando se descubrió el pulgar como un dedo utilizado en la ejecución. La posición del pulgar le hace posible alcanzar posiciones altas, especialmente en la cuerda de arriba.
Proporciones
Las proporciones de un instrumento de cuerdase refiere a su longitud, a saber la proporción entre ls distancias desde la nuez de arriba a el borde de arriba del vientre (distancia 1) y desde el borde del vientre al puente (distancia 2). Las proporciones se expresan en función de la proporción de estas dos distancias una a otra. La suma de estas dos distancias iguala a la longitud de la cuerda vibrante. Sobre el cello la distancia desde la nuez de arriba al bode del vientre es 28 cm, desde el borde del vientre al puente 40–42 cm (longitud de la cuerda = entre 68–70 cm). La proporción es por lo tanto 7:10.
Sobre el violín la nuez es de 13 cm de largo, el vientre 19.5 cm (longitud de la cuerda = 32.5 cm). Las proporciones son así 2:3.
Cellos tres cuartos (longitud del cuerpo 68 cm) o cellos de tamaño medio (longitud del cuerpo approx. 56 cm) están hechos especialmente para niños.
Stradivari establece la norma
De nuevo fue el gran Antonio Stradivari (1644–1737) el que estableció los standards. Mientras hacía modelos grandes (80 cm) antes de 1710 apostó instrumentos con las siguientes dimensiones sobre instrumentos con las siguientes dimensiones: longitud del cuerpo 75–76 cm, 34–35 cm de ancho en la parte de arriba y 44 cm de ancho en la parte de abajo, don costillas de 11.5 cm de alto. Posteriores constructores de instrumentos adoptaron estas medidas y proporciones que tofabía se utilizan hoy.
Estas nuevas medidas también pavimentaron la manera para el desarrollo de las técnicas del solo sobre el violonchelo, de las cuales Luigi Boccherini (1743–1805) puede considerarse el más importante proponiente. Un virtuoso del cello y compositor, llevó las técnicas de ejecución más allá, haciendo más uso del tremolo, armónicos, tocar sobre el sul ponticello y extendiendo la interpretación melódica a los registros más altos. Boccherini fue uno de los primeros en tratar el violonchelo no meramente como un instrumento de bajo sino también como un estatuto de “voz” de propio derecho. Fue también el que dio a los violines segundos y violas tareas más melódicas, así puede verse como uno de los pioneros de los típicos clásicos de composiciones de cuatro y cinco partes para cuerdas.
Historia del violonchelo
https://www.youtube.com/watch?v=oMieG54EMak
Pau Casals: Song of the Birds
https://www.youtube.com/watch?v=_T8DjwLt_c4&list=PLh4mm9kS3sd7JMO1XrFFnipZz2blO4A5t
[BBC/2011] Rostropovich - The Genius of the Cello
https://www.youtube.com/watch?v=tKQpR7aO1SM&t=129s
Recordando a Jacqueline du Pré | by AllegroFilms
https://www.youtube.com/watch?v=E_f_YSHHZx4
Mischa Maisky plays Bach Cello Suite No.1 in G (full)
https://www.youtube.com/watch?v=mGQLXRTl3Z0
EL CONTRABAJO
El bajo doble, también llamado violón o contrabajo, es el miembro más grande y el de menor tono de la sección de las cuerdas de orquesta. El bajo doble estándar tiene cuatro cuerdas y un rango que va desde E, justo una octava por debajo de su pentagrama, hasta cerca de casi tres octavas por arriba, aunque algunos instrumentos pueden tener cinco cuerdas con el fin de ampliar la gama hacia abajo. Las cuerdas están afinadas con separación de una cuarta, a E1 (41,2 Hz), A1, D2, G2 (98 Hz).
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Debido a la masa y rigidez de la cuerda, se utiliza un dispositivo dentado (engranaje) para ajustar la tensión de las cuerdas. |
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El gran puente del instrumento contrabajo, transfiere un componente de la vibración de la cuerda a la placa superior del instrumento. Este puente está equipado con sensores piezoeléctricos para producir una salida eléctrica que puede ser amplificada. |
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El contrabajo difiere en varias maneras de los instrumentos de la familia del violín. En su forma moderna es un híbrido, combinando elementos de la viola da gamba y las familias del violín. De la gamba retiene las espaldas inclinadas, el relativamente general parte de atrás plana y las afinaciones de las cuerdas a cuartas (los instrumentos más viejos también retienen los trastes y las cinco a seis cuerdas. Los agujeros de sonido en forma de F, la a menudo redondeada parte de atrás y las cosillas con esquinas proceden del violín. Dentro del cuerpo una amplia barra cruzada refuerza el alma. Históricamente y en función de su construcción original el contrabajo pertenece a la familia gamba, pero los desarrollos que experimentó lo hacen con semejanzas en aumento al instrumento de la familia del violín. Las costillas son muy altas en relación a otros instrumentos de cuerda, que es necesaria para la resonancia requerida. Dan el contrabajo una apariencia como bastante de caja, que le ganó el apodo de “casa de perro” entre los músicos de jazz. Las costillas llegó a ser más plana hacia el cuello de manera que no impiden el acceso a las posiciones más altas del diapasón.
Para la ejecución de solos las cuerdas se afinan generalmente a una más alta completa para producir un timbre más brillante (scordatura).
El arco es más corto y más grueso. El pelo de caballo está extendida entre los dos extremos del arco, con la resina asegurando que permanezca en contacto con la cuerda. Se utilizan dos tipos de arco: el arco francés, que es semejante al arco del cello pero más corto y grueso. Se frota por encima, la parte de atrás de la mano enfrentandos a los oyentes; y el arco alemán, más delgados, con pelo de caballo más delgado y un amplio y un amplio talón que se frota bajo del brazo, el pulgar mirando hacia arriba.
La posición para tocar tiene mas que ver con el gusro personal que con el tamaño del instrumento: algunos solistas tocan de pie mientras otros prefieren sentarse en un taburete de patas largas.
Jazz
En el jazz primitivo la parte del bajo era ejecutada por la tuba o el saxofón. El contrabajp no aparece hasta el período Clásico. En la mayoría de los estilos de jazz su tarea es la acentuación del ritmo, que se consigue generalmente por la técnica de slap bass. En los últimos estilos oscila y “ondula”, tocando la línea melódica de su propia estratagema (walking bass) como contramelodía. Tempos rápidos, tocando en los registros más altos y técnicas avanzadas de ejecución se han convertido en estilos modernos de jazz.
Giovanni Bottesini Concerto for Double Bass No 2 in B Minor
https://www.youtube.com/watch?v=QgZ_-f7pVk4
Dragonetti - Concierto para contrabajo
https://www.youtube.com/watch?v=_d04MNDRCP0
Franz Schubert: Sonata in a-minor for arpeggione and piano, Dominik Wagner, Aurelia Visovan
https://www.youtube.com/watch?v=0gbh3cwlqw8
RON CARTER, Jazz San Javier 21 Julio 2019
https://www.youtube.com/watch?v=P8zyD2aHi1Y