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Sintetizador

El sintetizador de música electrónico

La mayoría de los sintetizadores electrónicos musicales diseñados antes de 1980 se llaman sintetizadores analógicos, porque sus circuitos producen directamente ondas que son análogas a las ondas de los instrumentos acústicos. Esto contrasta con los sintetizadores digitales que producen una serie de números que deben convertirse en ondas. Los primeros sintetizadores musicales digitales fueron lo ordenadores de propósito general.

Componer música por cinta magnética por el metodo clásico no es ni fácil ni libre de dificultades. Una pieza compleja debía ensamblarse a partir de cientos o incluso miles de fragmentos de cinta. Empalmar estos sonidos consume una ingente cantidad de tiempo y puede llevar a una acumulación de errores y deteriores del sonido. Consecuentemente, sustanciales esfuerzos se prodigaron para reducir la carga de trabajo y al mismo tiempo mejorar la calidad. Los sintetizadores musicales fueron el primer producto de estos esfuerzos. Pueden, sin embargo, contemplarse como un desarrollo tecnológico intermedio por el desarrollo de la última tecnológico de los ordenadores.

Hacia los 1950 existían finalmente los medios para construir los sintetizadores musicales de escala completa, empezando con los sintetizadores musicales electrónicos de RCA, diseñado por Harry Olson y Herbert Belar, investigadores científicos que trabajaban en los Laboratorios de RCA en Princeton, New Jerse. La primera máquina se introdujo en 1955; un segundo modelo mejorado en 1959 en el centro de Música Electrónico en Columbia- Princeton.

El principal avance del sintetizador de RCA fue el mecanismo de entrada de la información, un dispositivo para perforar tarjetas con las instrucciones en un rollo amplio de cinta de papel perforado. Los compositores pueden en cualquier momento durante el proceso de programación interrumpir esta actividad para escuchar lo que se había perforado para hacer correcciones, y para editar la cinta de papel final que constituye el master de la composición.

La palabra sintetizar significa producir combinando elementos separados. Así el sonido sintetizado es sonido que un músico construye desde elementos componentes. Un sonido sintetizado puede parecerse a un timbre acústico tradicional, o puede ser completamente nuevo y original. Sin embargo una característica común a toda la música sintetizada : las cualidades mismas del sonido, así como las relaciones entre los sonidos, se han “designado, ” diseñado, o “compuestos,” por un músico. La noción de que la música sintetizada intenta imitar una más tradicional entidad y la música sintetizada es generada por medios mecánicos automatizados sin control por un músico no son generalmente verdad.

Un instrumento musical tradicional es una colección de elementos acústicos cuyas interrelaciones están fijadas por el constructor de instrumentos. Así, por ejemplo, un violín consta de cuatro cuerdas (los elementos vibrantes) que se posicionan sobre un diapasón (superficie para tocar) y acopladas a través del puente al cuerpo del instrumento (resonador acústico). El violinista pone en contacto las cuerdas con el diapasón y un arco para hacer que la cuerda vibre; pero no cambia la posición de las cuerdas en relación al puente, relacionado con el cuerpo, o la configuración del cuerpo mismo.

Un músico que utiliza un sintetizador, por otro lado, ve su instrumento como una colección de partes que configura para producir el timbre y respuesta deseados. Esto se llama a menudo “programado,” o “parcheado,” y puede hacerse antes o durante la ejecución. Generalmente, los sintetizadores incluyen osciladores (para generar ondas repetitivas), mezcladores (para combinar ondas), filtros (para aumentar el incremento de ciertos sobre tonos mientras reducen la intensidad de otros), y amplificadores (para dar forma a los contornos en volumen de los sonidos). Otros elementos productores y elementos procesadores, que pueden existir como circuitos electrónicos o programas de ordenador construidos, pueden estar también disponible. Para facilitar el control musical de estos elementos, un sintetizador puede tener cualquier combinación de teclados convencionales; u otros dispositivos manuales de control, como ruedas, deslizadores o joysticks; generadores de patrones electrónicos; o una interface de computador.

Robert Arthur Moog

Ingeniero electrónico americano (nacido el 23 de Mayo de 1934 en Nueva York y muerto el 21 de Agosto de 2005, en Asheville,N.C ), inventó el sintetizador de música electrónica de Moog, que revolucionó el rock, el pop y la música experimental a finales de los 1960 y principios de los 70.

Como adolescente, Moog construyó un theremin a partir de planos de la revista Electronics World , y en 1954 empezó a vender kits de theremin construidos por correo. A finales de 1963 conoció al compositor Herbert Deutsch. Deutsch inspiró a Moog para que combinara un oscilador controlado por tensión y un módulo amplificador con un teclado y, en 1964, creó el primer prototipo de un sintetizador controlado por tensión. Esta colaboración con el músico alemán alentó a Moog a extender su gama de módulos y a combinarlos para crear sistemas completos. Sin embargo, no fue hasta 1967 cuando Moog denominó a este tipo de sistemas combinados sintetizadores. Una máquina controlada por voltaje que permitía cambios en el tono, timbre, ataque y decaimiento del sonido para el uso de músicos, y continuó refinando el invento los siguientes años.

Los logros de Moog se fueron extendiendo de boca en boca y él, siempre dispuesto a escuchar la opinión de sus clientes, continuó añadiendo módulos a la gama. El LP Switched-On Bach, de Wendy Carlos (1968), fue el responsable del gran avance de los instrumentos de Moog. El disco incluía sintetizadores modulares de Moog, y fue una de las primeras grabaciones multipista del mercado. El éxito del álbum introdujo el sintetizador a una audiencia más amplia e hizo que el nombre de “Moog” fuese sinónimo de su instrumento. Con la idea de sacar provecho de los nuevos sonidos creados por los sintetizadores, para así repetir éxitos comerciales como el de Wendy Carlos, numerosos estudios, productores y músicos adquirieron los sintetizadores modulares Moog. En 1969, en las instalaciones de producción de Moog, 42 empleados fabricaban dos o tres sistemas modulares completos por semana. Varias bandas de rock progresivo como Yes, Tangerine Dream, Kraftwerk, Pink Floyd, y Emerson, Lake y Palmer se basaron sus sonidos en el sintetizador. El aparato también se utilizó por Steve Wonder y Sun Ra. Moog fue honrado con el Grammy Award por sus logros técnicos en 2002.

Sintetizador electrónico de sonido de Moog

Con el Moog era posible crear un número casi infinito de sonidos. El Moog modular era un sintetizador que se formaba a partir de la combinación de distintos módulos, por lo que su estructura no era siempre la misma. Cada módulo controlaba unas funciones determinadas. Como los módulos se vendían por separado, cada Moog se podía configurar según las necesidades específicas que cada músico demandaba. Las posibilidades eran casi infinitas y cada cual buscaba la configuración que deseaba.

El primer Moog modular fue ensamblado en un enorme armario. Los distintos circuitos que generaban y filtraban el sonido se conectaban mediante cables que se podían intercambiar, como si se tratase de una centralita telefónica. El núcleo básico del sintetizador era el módulo con el filtro de paso bajo (corta las altas frecuencias dejando pasar solo los sonidos graves en función del límite ( frecuencia de corte) preseleccionada con el potenciómetro el.

La aparición de los transistores de silicio de alta calidad y bajo coste al principio de los 1960 capacitó a los diseñadores de instrumentos electrónicos a incorporar todas las características básicas de los sintetizadores en instrumentos adecuados relativamente pequeños. Los instrumentos de Moog presentaban teclados convencionales así como otros dispositivos de control, que les permitía ser usados más fácilmente en la ejecución de música tradicional.

Minimoog

Los sintetizadores controlados por tensión de Moog eran modulares. Uno o varios chasis alojaban la fuente de alimentación y los módulos. Las entradas y salidas de los módulos tenían que interconectarse a través de un confuso enredo de cables parcheados para que el sintetizador creara algún sonido. Establecer estas conexiones correctamente ya era todo un arte de por sí, la configuración de los módulos requería una gran pericia.

Moog se dio cuenta de que estos sintetizadores modulares eran demasiado complejos y caros para un músico de categoría media, y por tanto no obtendrían gran éxito si se vendían a través de los minoristas musicales tradicionales. En 1969, Moog colaboró con los ingenieros Jim Scott, Bill Hemsath y Chad Hunt para diseñar un sintetizador compacto, portátil, asequible y fácil de utilizar. Después de construir tres prototipos, el modelo D del minimoog vio la luz en verano de 1970.

A diferencia de los sintetizadores modulares anteriores, no era necesario (ni posible) que los músicos conectaran los módulos del minimoog a su conveniencia. Todos los sistemas de circuitos de conexión de los módulos venían integrados de fábrica. El tipo y el número de módulos también era fijo. Esto simplificaba el proceso de fabricación de manera considerable, y reducía los costes de forma espectacular. Una importante campaña de marketing hizo que el minimoog se convirtiese en un éxito extraordinario. Sin alterar su diseño básico, se vendieron 13.000 minimoogs en todo el mundo hasta 1981.

Como todos los sintetizadores de su era, los Minimoog eran monofónicos (sólo sonaba una nota a la vez) y no disponían de memoria para guardar sonidos o parches (patches), debiendo ser creados o recreados en el momento.

Con el paso de los años, el sonido del Minimoog se ha convertido en un clásico comparable al órgano Hammond, o a guitarras míticas como la Fender Stratocaster y la Gibson Les Paul.

Solo de Minimoog

https://www.youtube.com/watch?v=_FFvYChyORo

En 2002, se introdujeron nuevas series con modernas incorporaciones (MIDI, control digital, memorias, etc.) bajo el nombre de "Minimoog Voyager" que duró hasta fines de septiembre del 2015.

El 18 de mayo del 2016, se anunció oficialmente una reedición del histórico Minimoog (model D), con las mismas características que el original pero con un par de funciones nuevas. Salió a la venta el 18 de julio del mismo año.

Una película sobre Robert Moog subtitulada muestra muchas características de los sintetizadores Moog y su proceso de creación.

https://www.youtube.com/watch?v=7L6lfcoZmAY

WENDY CARLOS utiliza el sintetizador modular Moog

La importancia de Wendy Carlos en el desarrollo de la música electrónica y el sintetizador de Moog se describe en el siguiente enlace

https://www.youtube.com/watch?v=_zjvv7n3mGQ

La banda sonora de 'La naranja mecánica' (1971) lleva la firma de un hombre. La de 'Tron' (1982), de una mujer. Ambas son la misma persona. Entre estas dos películas, Walter Carlos se convirtió en Wendy Carlos y experimentó una de las transformaciones más importantes de la música contemporánea, no sólo por el cambio de sexo de su protagonista, sino también por su contribución decisiva a la popularización de la música electrónica y al uso de sintetizadores entre sus colegas compositores.

Walter nació en Rhode Island (Nueva Inglaterra) en 1939. Niño prodigio, a los seis comenzó a tocar el piano. Antes de terminar el colegio, la firma Westinghouse ya le había otorgado un premio por la construcción de un ordenador casero. Estudió física y matemáticas en la prestigiosa Universidad de Brown y un máster en composición en la Universidad de Columbia, dentro del primer centro dedicado a música electrónica en EEUU. Llegó a Nueva York con 22 años y ha residido en la ciudad desde entonces.

En Manhattan, Carlos conoció al ingeniero Robert Moog, quien acababa de poner en marcha su empresa de fabricación de sintetizadores. Walter se convirtió en uno de sus primeros clientes y le asesoró tanto en el aspecto musical como en el técnico. Precisamente con este instrumento consiguió su primer gran logro. Tras hacer un disco con las posibilidades sonoras de la serie 900 de Moog, Carlos grabó en 1968 'Switched-on Bach', una interpretación de diversas piezas del compositor alemán. El álbum conoció un éxito sin precedentes dentro de la música clásica y fue uno de los primeros del género en llegar al medio millón de copias vendidas, obteniendo además tres Grammy.

En esta página se pueden escuchar partes de Switched-On Bach

https://archive.org/details/switched-on-bach/12+Brandenburg+Concerto+No.+3+in+G+Major_Movement+3.mp3

Carlos nunca terminó de sentirse del todo a gusto con el repertorio de Bach, porque se consideraba más un compositor que un intérprete y porque no creía encajar en el panorama de la música culta. Al menos en el panorama de aquella época. "Al principio de los 60 era muy difícil conseguir que la gente escuchase, ni hablamos de tomarse en serio, cualquier música que fuese producida de forma electrónica (...) El público general la consideraba vanguardista en el peor sentido de la palabra, absolutamente sin ningún valor positivo o interés comercial. En realidad, casi toda la música hecha con medios electrónicos entonces eran composiciones originales de música contemporánea.

Era la disonancia, la dodecafonía, lo aleatorio, la elusión de la melodía o armonía y otros rasgos distintivos de la música moderna lo que hicieron de esta experiencia algo tan hostil y ajeno para tantas personas. La música electrónica hecha con las mismas características no era ciertamente mejor, pero tampoco peor. Sin embargo, el medio electrónico estaba ya maldito", explica Carlos en la reedición de aquel álbum.

Walter, que había formado equipo con Rachel Elkind, productora de sus primeros álbumes, llamó la atención del cineasta Stanley Kubrick, quien se había embarcado en la adaptación de la novela de Anthony Burguess' La naranja mecánica'. Tanto en la historia original como en la película, la música tiene una importancia central, por lo que Kubrick mostró su famosa faceta obsesiva en el control de la banda sonora.

Carlos tuvo que reelaborar la 'Música para el funeral de la reina Mary', de Henry Purcell (que acabaría siendo el tema principal de la película), y varios movimientos de la Novena sinfonía del "divino, divino Ludwig Van" Beethoven. También tuvo que grabar una versión acelerada del final de la obertura de Guillermo Tell, de Rossinni, para la no menos acelerada escena del trío sexual. Sin embargo, otras composiciones que realizó expresamente para la película fueron desechadas o mutiladas por Kubrick, lo cual llevó a Carlos a lanzar, tres meses después del estreno, su propia versión de la banda sonora.

El periodo entre 'Switched-on Bach' y 'La naranja mecánica' coincidió con el proceso de reasignación de sexo de Carlos, que a partir de ese momento se mostró ante el mundo como Wendy. La compositora decidió hablar sobre el tema siete años después, en una entrevista a la revista Playboy. Sin embargo, lo que ella pensó que sería una catarsis y una forma de cerrar un capítulo en su vida se terminó convirtiendo en una pesadilla.

A pesar de las diferencias, Wendy volvió a colaborar con Kubrick para la banda sonora de 'El resplandor' (1980), aunque el cineasta ejerció de nuevo su poder omnímodo para hacer y deshacer el trabajo de Carlos. Del mismo modo, su composición para la banda sonora de 'Tron' (1982) fue alterada por Disney, que introdujo grabaciones orquestales para rellenar. Aunque esto provocó que Carlos se recluyera más en su estudio y se dedicase a proyectos más personales, como una partitura para la fábula 'La bella y la bestia' y la elaboración de nuevos instrumentos, en aquella década de los 80 su nombre era ya reconocido como uno de los principales motores en el desarrollo de la música electrónica, ya fuese como Walter o como Wendy.

Una entrevista en la BBC de Wendy Carlos en 1989 puede verse pulsando

https://www.youtube.com/watch?v=Z3cab5IcCy8&list=RD_zjvv7n3mGQ&index=2